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Vida social en la corte

publicado a la‎(s)‎ 26 may. 2009 3:58 por Usuario desconocido   [ actualizado el 26 may. 2009 4:46 ]

En la corte del Rey Sol eran muy habituales las fiestas, como viste en el video de la página principal, y la danza era una forma de relacionarse entre la nobleza.

Pasacalle




















Como Puedes imaginar, al igual que en una ópera, las danzas que se bailaban en Francia, poco tenían que ver con los bailes españoles, o con los italianos. Cada uno desarrollaron una serie de danzas muy particulares, pero a principios del siglo XVIII, los bailes comenzaron a agruparse en pequeñas colecciones de danzas, de procedencia muy diversa, constituyendo una SUITE BARROCA (serie de danzas "estandar" de diversa procedencia, donde se combinan ritmos rápidos y lentos)




ACTIVIDADES

1º Busca en internet los tipos de danzas que podemos encontrar en los siguientes países

 Escuela Nacional
 Nombre de la Danza
 Ritmo Otras Observaciones
 ESPAÑA   
 FRANCIA   
 INGLATERRA   
 ITALIA   

Señala al menos tres  danzas de cada país (RECUERDA QUE ESTAMOS EN EL BARROCO)

LA SUITE BARROCA

Como ya sabes la suite barroca es una colección estandar de danzas de diversa procedencia. Descubre qué danzas son y cuales son sus características

Escuelas Nacionales: Compositores Barrocos

publicado a la‎(s)‎ 25 may. 2009 23:37 por Usuario desconocido   [ actualizado el 26 may. 2009 0:08 ]


 Como te podrás imaginar, en una sociedad donde los medios de comunicación eras locales, es decir no transcedían de sus fronteras, la comunicación entre países eran limitadas. Sólo existía influencia de un paía a otro cuando el compositor viajaba para estrenar sus obras, como es el caso de Haendel, al que se denomina como el compositor de estilo universal: ya que nacido en Alemania, pasó por Francia y acabó nacionalizándose en Reino Unido.

¿Qué es el Estilo Universal?



Lo normal, era que cada corte tuviese su propio estilo, en función de las necesidades, por ejemplo, en Francia, como al Rey Luis XIV, le encantaba la danza, la gran mayoría de los espectáculos teatrales, poseen gran número de danzas, coreografías, que poco a poco se van convirtiendo en ballets. En Italia, sin embargo, lo que predominaba, era la ópera, ya sabes una sucesión de números, cantados (arias), y declamados (recitativos), intercalados con interludios instrumentales. En Inglaterra, pasaba algo parecido a Francia: el gusto por la danza cortesana, hacían que los números vocales fuesen más limitados. En España, destacó sobretodo el interés en el texto teatral (tenemos autores como Calderón de la Barca, Lope de Vega...) donde la música era muy limitado, y estaba marcado de un importante contenido folclórico.

¿Qué es el estilo declamado?
Busca la diferencia entre: Ballet y Danza


A continuación te voy a poner un texto tomado de la wikipedia, donde se encuentran los compositores característicos de cada escuela:


ESCUELAS NACIONALES

Los compositores

Italia

Giovanni Gabrieli (1555-1612) es el principal exponente del Barroco temprano. Su música contiene ya los elementos estilísticos esenciales de la nueva época estética.

Claudio Monteverdi (1567-1641) es el primer gran compositor del Barroco que inauguró este nuevo género en Italia y Europa. Girolamo Frescobaldi (1578-1643) tuvo gran importancia en el desarrollo de la música para teclado, en particular por sus Toccatas para clavecín. A mediados de siglo, sobresale Giovanni Legrenzi(1626-1690).

Arcangelo Corelli (1658-1711), Giuseppe Torelli y Alessandro Scarlatti (1660-1725) son los que dominan la escena nacional de la segunda mitad del siglo XVII hasta principios del siglo XVIII.

Ya en la primera mitad del siglo XVIII, Antonio Vivaldi (1675-1741), Domenico Scarlatti (1685-1757) y Giuseppe Tartini (1692-1770) son los que más sobresalen, representando la cumbre y ocaso barroca de su país.

Alemania

La obra de Bach está considerada la cumbre de la música barroca, cuyas "Pasión según San Mateo" y el "Clave bien temperado" son cimas de la música occidental.

El Barroco alemán empezó con la figura de Heinrich Schütz (1585-1672), llamado el padre de la música alemana, el más notable en la primera mitad del siglo XVII alemán. Johann Hermann Schein (1586-1630), Samuel Scheidt (1587-1654) y Michael Praetorius (1571-1621), contemporáneos de Heinrich Schütz, también son bastante notables en esta época.

En la segunda mitad del siglo XVII, Dietrich Buxtehude (1637-1707) es el más sobresaliente, siendo en 1705 visitado por un joven Bach. Johann Pachelbel (1653-1706), Johann Jakob Froberger (1616-67) y Georg Muffat (1653-1704) destacan asimismo.

Al cabo entre los siglos XVII y XVIII, Johann Kuhnau (1660-1722), Johann Joseph Fux (1660-1741), Johann Caspar Ferdinand Fischer (c. 1665-1746) y Georg Böhm (1661-1733) son los más prominentes.

El Barroco alemán, y en general, culminó y dio su máxima madurez, esplendor y cenit en la primera mitad del siglo XVIII con uno de los compositores más importantes de la música universal, Johann Sebastian Bach (1685-1750), que agotó todas las posibilidades de la música barroca. Su obra es la cumbre y ocaso de la música barroca, y marca el fin del periodo en Alemania y en Europa.

Reinhard Keiser (1674-1739), Johann Mattheson (1681-1764), Johann Adolph Hasse (1699-1783) y Carl Heinrich Graun (1703-59) junto con un joven Händel (1685-1759) -hasta que en 1712 se fue a Inglaterra- son los más destacables junto con Bach.

Georg Philipp Telemann (1681-1767), junto con Bach, es el músico más importante del Barroco tardío alemán, y marca igualmente el inicio de la transición de la música barroca hacia la música clásica de la segunda mitad del siglo XVIII en su país.

Inglaterra 

En Inglaterra el Barroco tarda en desarrollarse hasta la restauración de 1660, siendo John Blow (1649-1708) y su alumno Henry Purcell (1659-95) los más destacados e influyentes en la segunda mitad del siglo XVII.

En la primera mitad del siglo XVIII, Georg Friedrich Händel (1685-1759), desde su llegada en 1712 al país, es el más importante, destacable e influyente, siendo la cumbre del Barroco inglés y, junto con Bach, el más importante del Barroco tardío.

Después de Händel, y ya siendo el ocaso nacional, a mediados del siglo XVIII destacan Thomas Augustine Arne (1710-78) y William Boyce (1711-79) poniendo el punto final al Barroco inglés.

Francia

El género se consolida con Jean-Baptiste Lully (1632-87), un italiano de nacimiento, que introduce la ópera en Francia, siendo el más importante compositor nacional del siglo XVII en ese país. También sobresale en el mismo siglo Marc Antoine Charpentier (1640-1703), siendo el máximo rival de Lully.

Al cabo de los siglos XVII y XVIII, François Couperin (1668-1733) es el más importante, siendo una de las cumbres del Barroco francés. Louis Marchand (1669-1732) también destaca, teniendo en 1717 un duelo musical con Bach.

Jean-Philippe Rameau (1683-1764) es, junto con Couperin, la cumbre barroca nacional y el cenit del género francés barroco en la primera mitad del siglo XVIII, siendo en los últimos años testigo del cambio del Barroco al Clasicismo en su país.

España

En España sobresalieron Gaspar Sanz, Juan Cabanilles, Antonio de Literes, el Padre Soler, Juan Hidalgo, Sebastián Durón, José Marín, Luys de Milán, José de Nebra, Francisco Corselli, José de Torres, Jaime Facco, Joaquín García y Tomás de Torrejón y Velasco

Por entonces vivieron en España, donde compusieron la mayor parte de sus obras, los italianos Domenico Scarlatti y Luigi Boccherini.

En las colonias españolas en América también hubo actividad musical, con compositores -como el milanés Roque Ceruti-, cantantes, instrumentistas. Mucha de esta música aún se conserva y ejecuta.

Actividades

Realiza un esquema con las escuelas nacionales y los compositores más representativos de cada uno.

Una vez que termines esta tarea realiza un cuadro con los siguientes compositores, y busca en internet las óperas u oratorios (es la versión religiosa de la ópera) más importantes de los mismos, no quiero que copies las tres primeras que encuentres, sino las ¡MÁS IMPORTANTES!


 Compositor Óperas
 Monteverdi 
 Bach 
 Handel 
 Lully 
 Rameau 
 Purcell 






El nacimiento de la ópera

publicado a la‎(s)‎ 13 may. 2009 1:21 por Usuario desconocido   [ actualizado el 19 may. 2009 3:37 ]

Actividades

¿Qué es la ópera?
¿En qué ambientes surge?
¿Quienes son sus percusores?

Cita y define las partes que tiene una ópera.



El nacimiento de la opera

Nadie sabe con exactitud quién tuvo la original idea de actuar cantando en una escena dramatizada. No obstante, se sabe que las primeras representaciones musicales comenzaron como parte de fiestas de corte, entre la aristocracia. El salón del palacio, unos cantantes e instrumentistas eran suficientes entonces para la diversión del selecto público. En las crónicas de entonces (hacia el 1500) se sabe que incluso los reyes participaban de tales obras interpretándose a ellos mismos. Más concretamente, en las celebraciones de la boda de Ferdinando de Médicis con Christine von Lothringen (que duró varias semanas), se empezaron a interpretar una serie de teatrillos mitológicos entre los descansos de otras obras. Esto es, la Miniópera.

A partir de entonces, los músicos se centraron en las antiguas tragedias griegas para lograr juntar la narración de una historia y diálogos con la música, y se fundó la llamada 'Camerata', un club para la recreación de éstas viejas tragedias. De entre sus componentes destacaban Giovanni Bardi, Japoco Corsi, Ottavio Rinuccini y Grabiello Chiabrera (uno de los primeros libretistas de la historia). Sin embargo, los músicos Jacopo Peri y Giulio Caccini, pertenecientes también a esta sociedad, son considerados realmente los padres de la ópera, ya que compusieron la primera ópera de la historia, (cuya partitura está perdida) "DAFNE" (1594-98). La primera ópera que se conserva es "EURÍDICE" (1600), de Peri.

Estas obras eran llamadas aún 'Dramas per musica', ya que la palabra Ópera no se empieza a utilizar hasta 1650. Entre los percusores del drama musical en varios actos tenemos a Tasso (Il pastor fido), Guarini, Tasso (Aminta)...en cuyas representaciones eran necesarios coros, canciones...que pasaron a convertirse en dramas barrocos en los que reinaba la confusión, los personajes secundarios cómicos y finales felices.





características de la opera

Desde el Barroco hasta el Romanticismo, la ópera se caracteriza por ser una concatenación de números musicales diferentes, completos en sí y unidos entre sí por recitativos. Las obras donde los números musicales están divididos entre sí por diálogos recitados sin acompañamiento de ninguna especie se han clasificado, a partir del idioma original del libreto en diversos subgéneros. Históricamente, el primero en surgir fue la zarzuela en España y casi 150 años después surgieron el Singspiel alemán, la Opèra-Comique francesa, la opereta vienesa y el musical inglés y estadounidense. Todos estos subgéneros son, en rigor, subclasificaciones regionales de la ópera de números musicales. Los elementos musicales del tipo de ópera de números musicales se clasifican según sean partes orquestales o cantadas. En las partes orquestales es posible identificar los siguientes números:

  • la Obertura, que es un número musical con el que se inicia la obra. Según sus características puede ser considerada en estilo "italiano" o "sinfonía", si está constituida por varios movimientos. También puede recapitular material temático luego utilizado durante el resto de la ópera. 
  • Los Intermedios (intermezzo) son piezas orquestales ejecutadas, en la mayoría de los casos, entre dos actos diferentes, aunque también se da el caso de intermedios que se ejecutan entre dos escenas diferentes de un mismo acto y que sirven para dar tiempo de cambiar la escenografía. Como ejemplo recuérdese los correspondientes de la ópera
  • El aria es una pieza vocal o instrumental para solista con acompañamiento de instrumentos y cuya construcción es más amplia que la de una canción sencilla.
  • Recitativo: A pesar de no constituir en sí una forma musical propiamente dicha, el recitativo tiene una marcada importancia en relación con el estilo vocal operístico (es decir con la ópera, el oratorio, la pasión, etc.), porque indica un estilo de canto basado en un texto, de naturaleza declamatoria.  En el recitativo, la melodía, el ritmo y la frase musical están subordinados a las inflexiones declamatorias del lenguaje.  Así pues, el recitativo puede preceder o seguir a un aria, un gran coro, etc., asegurando de este modo la continuidad de la acción.  Los músicos distinguen entre dos formas de recitativo:


Acompañamiento

Esta nueva forma de hacer teatro cantado, necesita de un acompañamiento

la melodía acompañada

el acompañamiento a esta melodía se denomina bajo continuo


Compositores de ópera

Este nuevo estilo empieza a aparecer en Italia y luego se va extendiendo al resto de Europa, creando en cada lugar, lo que se denomina estilos nacionales, busca en internet, cúales son estas escuelas, y cita tres óperas por compositor.

Busca en internet como se denominan las óperas según la temática de la misma


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